Фотография из машины.

Шаманский цикл.
Так называют современные фототехнологии белорусские фотографы.

Галерея NOVA Центральной библиотеки им. Янки Купалы открыла выставку "Фотография из Машины". В экспозицию вошли экспериментальные изображения, сделанные тремя минскими фотографами, – Владимиром Козловым, Даниилом Парнюком и Валерием Савульчиком.

По словам автора концепции этого проекта Алеся Давыдчика, в основе визуальной структуры выставки лежит идея о самостоятельной, а вовсе не прикладной значимости фототехнологии. Зрителю предлагают распознать и расшифровать особую смысловую и событийную ауру, сопровождающую фотографа в процессе его творчества, начиная от выбора темы и объекта и заканчивая работой в фотолаборатории. Авторы проекта приглашают услышать гул Фотографической Машины, причем сами они слышат его по-разному. Да и сама Машина, судя по работам, представляется им разной. Для кого-то – это устройство для воспроизведения классической схемы серебряного фотопроцесса: выбор экспозиции, фокусирование, щелчок затвора, негатив, позитив. Для кого-то – калейдоскоп, при вращении которого изображение меняется, и зависит оно только от скорости вращения. Калейдоскоп остается глух к реплике "Остановись мгновенье! Ты прекрасно!". Его безучастность и безразличие фиксируют самый замысловатый и прекрасный узор лишь на один только миг.

Похоже, авторы проекта полагают, что технический прогресс, позволивший значительно облегчить и упростить фотопроцесс, не требующий более ни затемненного помещения, ни столика с фотоувеличителем и кюветами с проявителем, водой и фиксажем пошел явно не на пользу фотоискусству.

Алесь Давыдчик, например, считает, что "серебряная", т.е. черно-белая фотография хранит тепло, которое неподвластно передаче в цветном изображении. Даниил Парнюк упрекает современных фотографов, скользящих по миру, как на серфинге по водной глади, и фотографирующих все подряд. Несвоевременной он называет фотографию, в которой нет философии. Пусть даже в ней будет красота, композиционная завершенность, техническое мастерство. Он ни в коем случае не отрицает, что владение ремеслом является неотъемлемой составляющей мастерства, но все же прежде всего – фотограф должен знать, чего он хочет, и сама фотография не может быть случайной, поверхностной. Она должна вызывать эмоции, переживания, увлекать за собой в мир приключений, заставлять пережить влечение к изображенному объекту или событию. Фототехнологию Даниил Парнюк и вовсе называет неким шаманским циклом, состоящим из снятия изображения, замораживания, реакции серебра. Настоящие (читай: стоящие) фотографии – теплые, они "держат" атмосферу того, что происходило в момент съемки, дают возможность проникнуть вглубь события.

У каждого из трех авторов выставки "Фотография из Машины" своя тема. И с каждой из них возникают разные акустические ассоциации или аналогии. Даниил Парнюк сосредоточен на энергетике Машины. Валерий Савульчик – на оптических возможностях Машины. Владимир Козлов исследует кинематику Машины, пытаясь передать ощущения человека, живущего или случайно попавшего в большой город, в шум, звуковой и визуальный хаос, преследующий его на каждом шагу.

Просто люди или просто кошки, деревья, демонстрации или натюрморты остаются просто красивыми снимками, но без идеи, объединяющей эту красоту, исчезает смысл. Важно, чтобы фотография могла разговаривать, рассказывать. Ее язык – такой же, как и любой другой. Есть язык запахов, его лучше понимают животные. Язык телодвижений доступен и людям и животным, наверное, в равной степени. Но любой язык – это всего лишь код для общения и передачи внутреннего состояния. Фотография же, кодирующая историю, живет вне времени и принадлежит вечности.

"Фотография из машины" – так называется экспозиция галереи визуальных искусств "Нова", которая открылась 28 апреля в центральной библиотеке имени Янки Купалы и продлится до 22 мая. Экспонированы работы трех авторов: Владимира Козлова, Даниила Парнюка и Валерия Савульчика, куратор проекта – Алесь Давыдчик.

Этот фотопроект обращается к теме Машины, забытой со времени популярности Станислава Лема и Умберто Эко. Суть данной интеллектуальной манипуляции "про-машина" проста: представить метафизический и гиперболизированный образ. Машина не существует в предметной реальности либо существует как Бог. Это принимается на веру либо доказуемо посредством сложных умозаключений. Неважно, Машина сконструирована и запрограммирована человеком либо принесена инопланетянами.

Умберто Эко и Станислав Лем обыгрывали в своих текстах этот образ. Часто он подавался с ироней. Станислав Лем в своей "Сумме технологии" проводит параллель между Машиной и живым существом, биологическим видом, который по Дарвину эволюционирует, проходя стадии естественного отбора и так далее. В романе Умберто Эко "Маятник Фуко" Машина, названная Абулафией, занята поиском Имени Бога. Ирония уместна, поскольку автор прекрасно представлял, насколько смешно будет выглядеть образ мыслящей Машины на основе процессора 386 и программы Word спустя лет 10 после выхода в свет его книги.

Во вне-художественной реальности Машина существует как материальный объект – "сумма технологии" и как собирательный образ. Она наделена человеческими свойствами, у нее наша логика и особенности мышления. Машина постепенно персонифицируется, присваивая достижения человека. Во многом она "лучше", рациональнее человека, однако обслуживающая функция за ней остается, она по-прежнему на вторых ролях.

Кураторы фото-проекта отнеслись к Машине по возможности серьезно. Действительно, на смену сложному фотографическому процессу приходит божественный ящик, который совмещает стадии проявки, печати и так далее. Человеку остается все меньше места – у художника больше нет фотолаборатории. Поэтому авторы, как бы раздосадованные таким положением вещей, предлагают Фото-Машине, если она такая умная, самой выбирать ракурсы.

У авторов экспозиции Машина умеет видеть и склонна к художественному творчеству. Вспоминается сразу два экзерсиса на эту тему: часто мелькающий в прессе образ слона-художника и фраза героя одного из радикально-художественных произведений московского художника Олега Мавроматти: "В раю все ходят голые и занимаются художественным творчеством".

Сейчас не популярны споры о том, обладает Интернет душой или коллективным мышлением, считать его одушевленным или нет и как к этому относиться. Какая разница? В своем последнем романе "Остров накануне" Умберто Эко приводит в пример представления аборигенов-островитян: они думают, что шлюпки, на которых белые люди причаливают к берегу – это дети корабля, живого существа. Сегодня можно думать по-разному, представляя себя то венцом природы и хозяином техносферы, то ничтожным машинным манипулятором, уже даже и не рабом всей этой системы. Это спасительное, ни к чему не обязывающее свободомыслие, просто игра.

Эта экспозиция – одна из серии выставочных проектов "Аспекты современной белорусской фотографии". Любопытно, что к участию приглашаются только независимые авторские проекты. Галерея сотрудничает с фотохудожниками по принципу собственного предпочтения. Приятно, что там не стало стереотипных идей с академическим подходом к фотографии и ее предмету. Идеи часто неожиданны: "ландшафт тела, тело ландшафта", "фотомашина" и так далее.

Критики современного искусства употребляют слово "оптика" для обозначения видения, особого зрения художника. Так вот, у экспозиции чисто машинная оптика, как мы ее себе представляем. То есть кажется, что это творчество Машины. Заметно сочетание динамики и статики, "машинный формализм". И поскольку экспозиция составлена не просто из хороших работ, но и производит подобное впечатление, то это говорит о том, что проект удался как концептуальный.

"Трое в лодке, не считая куратора" – таким могло бы быть альтернативное название выставки, открывшейся в галерее "Нова".

Хотя сам куратор Саша Давыдчик назвал свой проект "Фотография из машины", имея в виду то единственное, что объединяет трех совершенно разных фотографов, – минимальное вмешательство в процесс создания фотоизображения. Снимали то, что снималось, отдавали в лабораторию на проявку и печать, не зная, что получится на выходе. Как оказалось, получилось искусство.

Кто-то становится художником в момент рождения, другой – проснувшись утром после первой выставки. Пути этих четверых молодых людей – троих художников и куратора – к искусству и фотографии в частности были совершенно разными. Соединенные непререкаемой кураторской волей в один проект, фотографы Владимир Козлов, Валерий Савульчик и Даниил Парнюк встречаются впервые не только в выставочном пространстве, но и в жизни.

Фотографическая техника попала в руки к лингвисту-переводчику Владимиру Козлову более десяти лет назад. Но серия, представленная в экспозиции, была создана сравнительно недавно – около года назад, во время стажировки в Лондоне. Все работы серии не имеют названий, так как уже не нуждаются в них. В.Козлов использует камеру как инструмент для восприятия окружающей действительности и документации психического состояния измененного сознания.

Об ином ритме урбанистического Лондона фотографу сообщает прежде всего цвет неоновых вывесок, вербальный смысл которых ему ясен, но визуальный остается прочитанным не до конца. Немаловажную роль во время съемки играл звук, который в фотографии отсутствует по определению. И может быть, более точным определением того, что мы увидим на этих фотоработах, будет "динамика звука", который, если вспомнить, тоже оставляет свой видимый след на экране осциллографа.

Валерий Савульчик – художник со стажем, хотя поначалу вряд ли связывал свои артистические практики с фотоискусством. Как участника многочисленных акций и перформансов, его скорее можно отнести к новой генерации белорусских концептуалистов. Одна из наиболее известных акций с его участием – шестидневный перформанс "Лабрис", который был показан в Минске, а затем в Нидерландах. Однако большинство акций того периода не было задокументировано на фото и видео. Технику фотографии В.Савульник начал использовать позже, но сразу – профессионально. Сегодня в его портфолио – наработки совместного сотрудничества с одним из крупнейших белорусских агентств моделей, примеры черно-белых и цветных съемок в павильоне и в среде и, конечно, творческие работы. Именно в последнем качестве он и предстанет в своей первой "статической" экспозиции перед "широкой аудиторией". До этого его фотоработы можно было изредка увидеть на коллективных выставках и в одном из минских ночных клубов.

"Самым внимательным зрителем оказался охранник клуба, ведь ему нельзя ни пить, ни танцевать на рабочем месте, – вспоминает художник. – Мне особенно понравилась его непосредственная реакция на мои абстрактные фотографии. Чтобы понять, что же на них изображено, он даже потрогал снимок – и, по-моему, получил абсолютно новое для себя впечатление". Что изображено на фотографиях Валерия Савульчика, понять действительно сложно. (Да и нужно ли?) Одной из основных идей автора было максимально убрать свое присутствие как индивидуума между тем, что изображено, и тем, кто это созерцает, т.е. зрителем. Что-то вроде зеркала или окна: пейзаж не зависит от того, кто на него смотрит, от одного и того же источника разные люди получают разные впечатления. Творческое участие зрителя заключается здесь даже не в соавторстве, а в некоем повторном авторстве (реавторстве). Фотограф ставит зрителя на свое место, как бы говоря: "Посмотри, что видно отсюда, с моей точки. А что видишь ты?".

Третий участник выставки – Даниил Парнюк – присоединился к проекту незадолго до открытия, и может быть, поэтому его присутствие в экспозиции самое скромное. Профессиональная сфера его интересов – финансы, а фотография – хобби. На выставке представлены его последние снимки, которые своим тяготением к абстракции резко отличаются от ранних сюжетных работ. Хотя на фоне двух других авторов это по-прежнему воспринимается почти как документальная "клубная" съемка.

По поводу новой экспериментальной фотографии в "Нове" вспоминаются слова немецкого живописца Герхарда Рихтера: "Она (фотография) не имеет ни стиля, ни композиции, ни мнения, она освобождает меня от личных переживаний, сначала она ничего не имела, была чистым изображением". Экспозиция минских фотографов возвращает нас к про-фотографии, к ее первому смыслу – "чистому изображению".

Чтобы попасть на "Олимп", надо подняться на последний этаж ЦУМа и пройти через отдел, где продаются унитазы. Попив там вместо амброзии минеральной воды, вспомнив Надю Зеленкову и то, что все познается в сравнении, я решила побаловать себя изысканными блюдами из области искусств. В галерее "NOVA" как раз происходил "решающий момент фотографии", а на открытиях выставок там подают кофе и крекеры. К тому же с каждым разом вернисажи становятся все более людными, а на них и ходят в основном, чтобы с людьми пообщаться, – не в толпе же произведения высокого искусства воспринимать. Чтобы ими проникнуться, особая атмосфера нужна – сосредоточенности и уединения. Хотя как раз за этим в галерею "NOVA" можно будет и не ходить, а смотреть их веб-альманах "Photoscope.by" в тиши, не отрываясь от своего родного компьютера.

Светский раут превзошел ожидания. На пасхальные каникулы съехались "все" – из Варшавы критик Нелли Бекус и фотохудожник Кирилл Гончаров,из Мюнхена – вышедший за рамки фотоискусства "живой классик" ИгорьСавченко, из Парижа – дипломантка конкурса модельеров Надежда Короткина, из Москвы – "открытие сезона 2000" "А.В." и "I-GALLERY" Егор Истомин, из Познани – куратор (помните "Шестую линию"?) Ирина Бигдай с компанией, из Голландии – известные фотохудожники Сергей Кожемякин и Владимир Шахлевич. Кроме звезд, зал наполняли очень стильного вида молодые люди и прохаживались не менее стильные девушки. Картину гармонично дополняла ведущая "Абiбока" Маша Павленко с верными рыцарями видеокамеры. Куратор галереи визуальныхискусств "NOVA" Владимир Парфенок был оживлен и весел. Короче, получившая грант французского института открытого общества OSI AF галерея "NOVA" и сама становится местом европеизированного бомонда, утрачивая свой недавний холодновато-элитарный имидж.

А что же все-таки с фотоискусством? Сразу скажу, что вы можете все сами посмотреть до 5 июня, кроме вторников, суббот и воскресений, с 12 до 18часов по адресу: улица В.Хоружей, 16, библиотека им. Янки Купалы. Чтобы узнать, что там ждет и стоит ли туда идти, обратимся к тексту куратора проекта "Фотография из машины"Алеся Давыдчика, напечатанному в буклете. Там написано, что это выставка экспериментальных изображений трех минских фотографов: Владимира Козлова, Даниила Парнюка, Валерия Савульчика. Я поняла, что наша повседневность давно и прочно оснащена разнообразными фотографическими машинами, что технология фоторабот суперкомфортна для снимающего – то есть ему уже почти ничего не надо делать, что от съемки до получения изображения почти не осталось дистанции. Загадочна для меня по-прежнему фраза о том, что "технологические новшества меняют статус фотографического изображения". Поверим куратору на слово. Он придумал красивый образ некоей Общей Фотографической Машины, потом уподобил ее Калейдоскопу, а в конце предложил остановить безразличное вращение безличных частей и посмотреть, что получится. Визуальное впечатление от экспозиции получилось красочным, даже ярким, и, опять-таки, стильным. Особенно в белых рамках на белых стенах. Другое ощущение – когда-то я это уже видела.

Но, оказывается, что "в основу визуальной структуры экспозиции выставки положена идея о том, что современные фототехнологии имеют самостоятельную не прикладную значимость". Она заключена в "особой смысловой и событийной ауре", которую нам с вами и предлагается попытаться опознать. Я больше не буду расшифровывать здесь "психоделический" текст Алеся Давыдчика – кофе у меня закончился. Знакомые, удивлявшие в детстве в папиных фотожурналах "смазанные" изображения каких-то быстро движущихся объектов выглядят, благодаря современным возможностям машинной цветопечати, насыщенно и декоративно. Динамичные ритмы, контрасты света, цвета и тьмы напоминают о пройденных уже в живописи и графике экспериментах. Вот размеры изображений действительно отличаются от детских фотовпечатлений и добавляют сходства с графическими композициями.

Просто и ясно сказала гостеприимная хозяйка – директор библиотеки Людмила Петровна Сулохина, – и суть ее слов в том, что такая красивая яркая выставка очень соответствует солнечному весеннему настроению, и ее просто очень приятно смотреть. С чем вполне можно согласиться.

Нагуляв аппетит по дороге до площади Якуба Коласа и заглянув за деликатесами в Музей современного изобразительного искусства, я, к своему удивлению, не нашла среди эстетствующей минской молодежи пригласившего меня на свой вернисаж фотохудожника – Дениса Синюгина. Оказалось, что герой дня сам снимает происходящее на видеокамеру. А происходило открытие выставки его фоторабот, посмотрев на которые, сразу вспоминаешь, что Олимп находится в Греции.

Денис Синюгин очень разносторонний художник. Во-первых, он хороший профессионал-график. Плюс один из немногих, кто делает серьезные пробы в видеоарте – редком в Беларуси виде искусства. Его же фотопроекты удивительно красивы. Вернее, в них проявляется свойственный вообще творчеству Дениса тонкий эстетизм. Вы можете сами оценить живописность, романтизм его фотосерии "Кассос & Cанторини", сделанной на греческих островах, и ощутить обаяние его таланта.

Выпускник Белорусской академии искусств 1998 года Денис Синюгин участник многих выставок в Минске, Греции, Вильнюсе. Одна из его выставок проходила в Мюнстере, где он учился в классе профессора Художественной академии У.Шеля. Первая после приезда из Германии выставка провисела в родной Белорусской академии искусств ровно десять минут, но зато принесла автору известность. Правда, имидж задиристого хулигана быстро надоел Денису. Если художнику есть что сказать в искусстве, ему не нужны эпатажные акции.

Денис Синюгин сам предложил Музею современного изобразительного искусства свой фотопроект. Обладающий несомненным вкусом, сам сделал оригинальные пригласительные для своей выставки, сам оформил работы. Получилась прекрасная выставка. Действительно художественной фотографии, в отличие от многих фотографических сборок, демонстрируемых в том же музее. В фотопроекте Дениса Синюгина присутствует очень важное качество художественного произведения – аутентичность. Увидев фотографии этого автора один раз, вы будете узнавать их среди других по своеобразному характеру, авторскому почерку, взгляду на мир, и не спутаете их с работами другого фотографа.

К сожалению, научные сотрудники музея не удостоили автора ни строчкой о его творчестве. Музей не занимается целенаправленным изучением того, что происходит в современном художественном процессе, формированием определенной концепции выставки, экспертизой и отбором для нее лучшего из заданного направления искусства. Для этого нужны люди, имеющие время и желание. Просто очередная "сборная солянка" вместо продуманной выставки сегодня неинтересна, не нужна ни художникам, ни любителям искусства. Несовременна. Тем более в учреждении, цель которого заявлена уже в названии. Пока что Музей современного изобразительного искусства представляет собой просто выставочную площадь. Благо, если ему извне предлагают хорошие проекты, как в случае с Денисом Синюгиным. Что, собственно, происходит нередко, и привлекает-таки в залы музея художников и "продвинутую" публику.

Приятно получить по почте приглашение на вернисаж в фирменном конверте, буклет, в котором куратор изложил идею проекта, информацию об авторах. Приятно, когда для журналистов подготовлены пресс-релизы. Но, кроме хорошей организации, самое важное – это уважение к тому, что ты делаешь, к себе, своим авторам, всегда желанным гостям и зрителям. Такая атмосфера присутствует в галерее "NOVA", кураторы которой имеют цель, стратегию развития, ясно представляют, что и для чего они делают. Чтобы отличить кофе по-восточному, сваренный в турке, от столовского бочкового, необязательно его пробовать – достаточно ощутить аромат.